7: Children Need Music (Deutsche)

7: Children Need Music (Deutsche)

Wilfried Gruhn

Emeritus Professor, Musikhochschule Freiburg,

Germany

1. Aus neurobiologischer Sicht sind die ersten Jahre von besonderer Wichtigkeit für die Ausreifung und synaptische Vernetzung ("Verdrahtung") des Gehirns. Die volkstümliche Redensart "Was Hänschen nicht lernt, lernt Hans nimmermehr" spricht diesen Sachverhalt vereinfacht an.

2. Allerdings muß vor einem Mißverständnis gewarnt werden (vgl. John Bruer: The Myth of the First Three Years, 1999). Es ist zum Glück nicht so, daß Hans nichts mehr lernen kann. Der Mensch ist immer zum Lernen fähig, man kann gar nicht "nicht" lernen. Grundsätzlich bleibt das Gehirn bis ins Erwachsenenalter strukturell formbar. Allerdings ist das kindliche Gehirn in viel stärkerem Maße "plastisch" veränderbar als das ausgereifte, so daß Lernen in diesem Lebensabschnitt – wie jeder weiß – viel leichter fällt. Alle zentralen, lebensnotwenigen Lernvorgänge (z.B. aufrechter Gang, Körperkoordination, Sprechen, abstraktes Denken etc.) finden daher in den ersten Lebensjahren statt.

3. Lernen beruht auf der plastischen Veränderbarkeit des Gehirn. Wir wissen, daß die Plastizität zwar in den ersten Lebensjahren am größten ist, aber das ganze Leben erhalten bleibt. Humanbiologisch, pädagogisch und ethisch kommt daher den Erziehungsbemühungen in den ersten Jahren eine ganz besondere Bedeutung zu. Familie, Kindergarten und Grundschule sind hier die entscheidenden Agenten der Vermittlung von Erfahrung, Wissen und Können.

4. Die Ausreifung des Gehirns folgt in seiner Grundstruktur genetischen Dispositionen, ist im einzelnen aber in seiner individuellen Ausprägung nutzungsabhängig. Unser Gehirn wird so, wie wir es benutzen! Alle Erfahrungen, die ein Mensch in seinem Leben macht, werden in seinem Gehirn verankert.

5. Neueste Erkenntnisse der neurobiologischen Verhaltensforschung haben im Tierversuch (Ratten) ergeben, daß emotionale Vernachlässigung und deprivierte soziale Bindungen das Gehirn in seinen Tiefenstrukturen (limbisches System, Amygdala) nachweisbar verändern. Dies hat einen Boom der "Neurodidaktik" ausgelöst, weil man vermutet, daß analoge Auswirkungen auch beim Menschen erwartet werden dürfen (z.B. hyperaktive Kinder, Aufmersamkeitsdefizit Syndrom).

6. Daraus ergibt sich die sozial- und bildungspolitische Forderung, die Familien zu stärken, damit Kinder emotionale Bindungen aufbauen können. Horte und Kindergärten können diese Funktion nicht ersetzen, aber Impulse und Anregungen für die intellektuelle Entwicklung geben.

7. Der Musik kommt in dieser frühen Entwicklungsphase eine wichtige Bedeutung zu. Wie kaum eine andere Tätigkeit intensivieren musikalische Erfahrung das rhythmische System im biologischen Bildungsprozeß. Die Erschließung von Zeit und Raum beginnt bei Kindern mit der Erfahrung von Gewicht und Bewegungsfluß, während Erwachsene die Dimension von Raum und Zeit zählend und messend erfassen (Laban, Gordon). Musik stimuliert und verstärkt vitale rhythmische Prozesse. Kinder haben daher auch ein offenkundiges Bedürfnis nach rhythmischer Wiederholung.

8. Musikalische Tätigkeiten vernetzen viele verschiedene neuronale Areale und erfordern hohe feinmotorische Koordinationsleistungen. Nicht weil nach populärer (aber so allgemein nicht zutreffender) Sicht Musik in der rechten Hemisphäre lokalisiert ist und daher besonders diese als Gegengewicht zur linken Hemisphäre fördert, sondern weil Musik eine dichtere Vernetzung verschiedener Areale und stärkere Kohärenzen hervorruft, bildet sie ein vorzügliches Medium für ein kortikales Training. Zu diesem Zweck kann Musik erfolgreich beim Hörtraining von Cochlea Implant Kindern eingesetzt werden.

9. Die musikalische Begabungsforschung hat gezeigt, daß jeder Mensch mit einem bestimmten Begabungs- (d.h. Lern)potential geboren wird, das bei Geburt am größten ist und danach kontinuierlich abnimmt, wenn es nicht durch Umweltreize und informelle Lernangebote (Hörangebote) immer wieder angeregt wird. Denn das Gehirn ist wie ein Spiegel der gemachten Erfahrungen; ohne musikalische Anregungen können sich keine musikalischen Repräsentationen bilden!

10. Jeder Mensch besitzt einen bestimmten Grad an musikalischer Sensibilität. In den frühen Jahren vermag ein Kind daher mühelos, Musik wie eine Sprache zu erlernen, und zwar nicht von der Grammatik und der Theorie her (knowing about), sondern als praktisches Handlungswissen (knowing how). Das vitale, natürliche Bedürfnis des Menschen nach rhythmisiertem Klang begründet und erleichtert den Zugang zur Musik als einem elementaren Ausdrucks- und Kommunikationsmittel.

11. Vor diesem Hintergrund kommt einer internationalen Dachorganisation wie der ISME eine besondere Bedeutung und Verantwortung zu, weil hier auf übergeordneter Ebene die Bemühungen und Anstrengungen zusammengefaßt sind, allen Menschen eine musikalische Ausbildung im Rahmen der je eigenen Kultur zu ermöglichen. Begegnung und Austausch zwischen den Kulturen stellt eine entscheidende Herausforderung unserer Zeit für ein friedliches Zusammenleben der Völker dar. In der Jugend bilden sich die zentralen Muster und neuronalen Netze, in denen sich Fühlen und Denken abspielen und wo das Weltwissen und die Welterfahrung der Kinder abgelegt wird. Musikalisch kulturelle Erfahrungen spielen dabei im Zusammenwirken mit anderen Bildungsbemühungen eine wichtige Rolle. Musikalische Förderung folgt somit dem human-ethischen Gebot, angelegte Begabungspotentiale optimal zu fördern.

Prof. Ligj. Besa Luzha (Albanian), advocacy

Besa Luzha University of Prishtina, Faculty of Arts Music Department Kosovo Unë jam një edukatore e muzikës e re dhe vij nga Kosova, një vend i vogël në Evropë i cili njihet përmes ngjarjeve te fundit dhe konfliktit te tmerrshëm që ndodhi ne vitet 1998-99. Që nga qershori 1999 kur forcat ndërkombëtare të NATO-s intervenuan dhe sollën paqen në Kosovë, jeta është normalizuar dhe tanimë 4 vite pas të gjitha përpjekjet e bashkësisë ndërkombëtare dhe të Kosovarëve janë drejtuar drejt plotësimit të standardeve të nevojshme për tu integruar në Bashkësinë Evropiane. Ka mjaft punë deri në këtë integrim dhe tanimë shumë procese kanë filluar. Reforma të domosdoshme në të gjitha fushat e veprimtarisë janë paraqitur si të domosdoshme në mënyrë që Kosova të zhvillohet në një vend me standarde evropiane. Njëra ndër to është edhe Reforma e Procesit edukativ –arsimor në të gjitha nivelet. Unë personalisht jam përgjegjëse për koordinimin e punës së grupit të ekspertëve per ndryshimin dhe zhvillimin e kurrikulit mësimor për lëndën Edukatë Muzikore në të gjitha nivelet K-12. Në kuadër të këtij procesi shpeshhere jam pyetur nga kolegët e lëndëve të tjera “pse mendoni që muzika është aq e rëndësishme…?”. Dhe me të vërtetë jam preokupuar edhe vetë me këtë pyetje aq sa edhe me habinë pse kemi nevojë të argumentojmë aq shumë për rëndësinë e muzikës kur ajo është një gjë aq e qartë dhe e dukshme. Megjithatë, në këtë shkrim unë nuk do ti rrekem argumentimit shkencor mbi rëndësinë e muzikës duke e kundruar atë që nga teoria e intelegjencave të shumëfishta dhe beneficionet që sjell muzika për aftësitë kognitive dhe procest e ndryshme psikofizike deri te tek ndikimi I provuar( nga hulumtimet e shumta të deritanishme) në rritjen e rezultateve të testeve të përgjithshme shkollore. Unë dua të flas për një aspekt tjetër të kundrimit të muzikës , për muzikën si dicka magjepsëse dhe hyjnore duke evokuar kështu edhe mendimet e largëta të Platonit e bashkëkohësve të tij mbi të menduarit se “Muzika I ben njerëzit me të mirë” ose duke cituar edhe Shpenhaurin I cili thoshte se “Muzika është banjë e shpirtit…” Fuqia e muzikës që të depërtojë thellë në shpirtin tonë dhe të nxitë reagime të llojllojshme ndjenjash dhe emocionesh me ate rast është ajo që unë dua ta theksoj si më të rëndësishmen e muzikës. Në popullin tim muzika zen nje vend jashtëzakonisht të rëndësishëm . Thuajse cdo moment I jetës është I shoqëruar dhe I pershkuar me muzikë-lindja, gëzimi, martesa e bile edhe vdekja ( ne popullin tim me rastin e vdekjes sipas disa traditave te lashta bëhet vajtimi I të vdekurit duke kënduar me një melodi ta caktuar duke I radhitur virtytet e të vdekurit dhe duke përshkuar dhimbjen që përjetojne anëtarët e familjes”). Në kohët më të vështira kur ndodhi konflikti dhe lufta e temrrshme u krijuan këngë që flsinin për lirinë dhe të ardhmen dhe kështu njerëzit merrnin forcë për të vazhduar jetën . Për dhjetë vite me radhë nen pushtetin represiv që administronte Kosovën shqiptarëve –banorë shumicë të Kosovës- iu kishte ndaluar që te shfrytëzonin sallën e vetme koncertale në Prishtinë për të organizuar dhe mbajtur koncerte ndonëse deri më atëherë kishte vepruar orkestri simfonik i Prishtinës dhe jeta muzikore ishte relativisht e pasur. Në vitin 1999, në nëntor pas vendosjes së paqes unë me kolegët e mij muzikantë I hymë një iniciative të madhe për të organizuar një koncert të madh të muzikës klasike që do të mbahej në sallën koncertale pas 10 vitesh. Ndoshta mund të duket e çuditshme organizimi i një koncerti në rrethana të sotme, por po flasim për një gjendje pas lufte ku njerëzit ende kërkonin familjarët e varrosur nëpër varre masive dhe të zhdukurit që s’mund ti gjenin dhe per një situatë ku shumë qytete përreth e edhe vetë Prishtina ishte e shkatërruar dhe e demoluar nga lufta e tmerrshme. Megjithate, ne u perpoqëm dhe ia dolëm. Në një ditë nëntori të ftohtë ( më 28 nëntor 1999) ku temperature Brenda në sallë ishte 10 grade celcius, më se 600 njerëz kishin mbushur “sallën e kuqe “ koncertale te Prishtinës ku muzikonin muzikantë nga Kosova, Maqedonia, Shqipëria dhe mysafirë instrumentistë nga Gjermania, SHBA dhe Italia. Në program ishin vepra per orkestër harkorë nga Bachu, Hajdn, Samuel Barber- e Aaron Koplandit etj., e edhe vepra të kompozitorëve Shqiptarë. Ndonëse në sallë ishte ftohtë dhe njerëzit ishin ende të pikëlluar e të traumatizuar nga konflikti zemrat e tyre u ngrohën nga tingujt magjepsës të muzikës. Edhe publiku përbëhej nga njerëz të shtresave të ndryshme që flasin gjuhë të ndryshme. Por atë natë muzika u fliste atyre me një gjuhë, gjuhën e saj të vetme dhe forca e saj depërtoi thellë në shpirtërat e të gjithë njerëzve njësoj duke I emocionuar ata. Ajo iu dha shpresëdhe kurajo vendorëve për të harruar dhimbjen dhe për të vazhduar jetën kurse iu tregoi mysafirëve që kishin ardhur të punonin në Kosovë për karakterin dhe forcën e këtij populli dhe për dëshirat e tij që të jenë pjese e Evropës së qytetëruar me gjithë ndryshimet që posedojnë. Kështu Muzika vendosi në ato çaste ura lidhëse mes njerëzve të ndryshëm. Kur koncerti kishte perfunduar dhe njerëzit ishin ngritur në këmbë duke duartrokitur, ndodhi dicka e pashpjegueshme. Gati të gjithë duartrokitnin me lot në sy. Kjo vërehej sidomos tek Kosovarët të rinj e të vjetër që ishin mbërthyer nga emocionet dhe i ishin dorëzuar tërësisht ndikimit të muzikës. Këtë përjetim nuk do ta harroj kurrë dhe mendoj se pikërisht për këtë arsye është e rëndësishme Muzika. Ajo na bën të ndihemi në radhë të parë-njerëz me trup dhe me shpirt. Ajo na pasuron jetën dhe na ngjall ndjenja dhe emocione. Sot kur po ballafaqohemi me avokime në të mirë të muzikës për të shpjeguar pse duhet të jetë muzika e pranishme në shkollë, ndoshta mund tu themi shumë thjesht dhe sinqerisht –sepse shkollat tona duhet te edukojnë dhe të arsimojnë në radhe të parë njerwz tw ndieshwm dhe te kulturuar. E muzika ka mundësi të bëjë këtë. Prandaj le ti japim shansin. Prof. Ligj. Besa Luzha Universiteti I Prishtinës-Fakulteti I Muzikës Departamenti I Pedagogjisë Muzikore

Ett musikpedagogiskt credo (Swedish)

Bengt Olsson Professor i musikpedagogik, Musikhögskolan Göteborg, Sweden "Vi lever i den bästa av världar", som Voltaires Candide säger, eller i den bästa musikvärldar. Aldrig har så många människor lyssnat på musik som nu. Aldrig så många människor utövat och framfört musik som nu. Den moderna digitala tekniken och kommunikationen genom media har fått effekter som ingen anade för blott tjugo år sedan. Den musikindustri som både möjliggjort denna fantastiska utveckling och som själv expanderat i kölvattnet på denna utveckling, framtonar som en alltmer viktig faktor för den enskilda människans musikupplevelser. Musikundervisningens roll i denna, den bästa av musikvärldar, är ofta förbisedd. Produkterna av musikundervisningen, dvs kompositionerna, inspelningarna, utövarnas kunskaper och värderingar, framstår tydligt för alla och envar. Dessutom täcker media - tidningar och radio/TV - på ett framträdande sätt vilken betydelse musiken och alla dess artister har. Så den sidan av musikverksamheten får sitt fulla erkännande. Men var finnsvägen fram till det färdiga resultatet beskriven? Kanske skall man börja med att fråga sig vad är musikundervisning? I vårt språk har vi ord och begrepp som "undervisning", "lärande", "skola", "lärare" och "elever", men detta säger inget om själva verksamheten. Vad är det unikt pedagogiska? Den vetenskapliga definitionen av musikpedagogik innehåller "intentionellt undervisande" och "intentionellt lärande", vilket pekar mot en pedagogisk avsikt som det centrala. Viljan att såväl lära ut något som att lära sig något avgränsar det pedagogiska från andra sätt att umgås med musik. Hur förmedling av kunskaper respektive tillägnan av kunskaper sker blir då musikpedagogikens kärnområde. En sådan definition omfattar självfallet all undervisning i organiserad form. Organiserad musikundervisning finns inom allmänna skolväsendet, musik- och kulturskolor, folkhögskolor, studieförbund och inom musikhögskolor. Tusentals lärare och hundratusentals elever ägnar sig varje vecka åt att undervisa och lära sig musikens grunder och förbättra sitt spelande och sjungande. Här läggs grunden för hela den svenska musikkulturen. Och här skapas förutsättningarna för både det svenska amatör- och det professionella musiklivet. Definitionen med avsiktligt undervisande och lärande omfattar emellertid mer än så. Det finns en praktisk musikpedagogik utanför de gängse undervisningsinstitutionerna som har minst lika stor betydelse som de formella musikutbildningarna. Undervisande och lärande bland svenska folkmusiker och spelmän, rockmusiker på ungdomsgårdar och klubbar, bland musiker inom invandrarföreningar, inom frikyrkan och inom andra verksamheter i samhället är oerhört omfattande. På många sätt kan man också tala om en formaliserad undervisning men utifrån andra utgångspunkter. Det finns inte alltid speciellt utbildade lärare eller ekonomiskt understöd från det offentliga, men om man tittar specifikt på det musikpedagogiska så är kanske skillnaden inte alltid så stor. Vissa kan mer än andra, vissa spelar bättre eller har kommit längre i sin instrumentala utveckling än andra och dessa individer hjälper de andra som inte kommit lika långt eller är lika duktiga. Härigenom vidgas basen för den svenska musikpedagogiken avsevärt. Försiktiga antaganden säger att lika många individer spelar och sjunger utanför det formella systemet som innanför. Musikpedagogiken är därmed en lika stor kraft i det svenska samhället som själva musiken. Samtidigt kan man undra vad det är i såväl det musikaliska som det musikpedagogiska som attraherar alla dessa människor att ägna sig åt detta. Vad är det unikt mänskliga i all denna verksamhet? Ett självklart svar blir den sociala gemenskapen i musicerandet och musikupplevelsen. I det gemensamma kan upplevelsen av det egna utövandet och själva i musiken förstärkas och fördjupas. Kanske kan man rent utav se det musikaliska som grunden för all mänsklig gemenskap. När man exempelvis sjunger i kör har alla en röst och körsång blir härmed per definition demokratisk. På samma sätt kan man se hur ensemblespel av olika slag kräver både hänsynstagande och ansvar. Den demokratiska dimensionen finns också i den enskilda upplevelsen av musik. Dagens mediasamhälle präglas av opinionsbildare av olika slag, vilka på olika sätt försöker påtvinga oss olika värderingar och handlingsmönster. Man skall alltid lyssna på de senaste! Den musiken är bra för den har sålts i miljontals skivor! Viss musik är bättre än annan musik för den ha högre kvalitet! Hur skall dessa självutnämnda auktoriteter bemötas? Hur kan vi skapa motståndskraft mot det påtvingade musikvalet och verka för det självständiga lyssnandet? Musikundervisningens kraft att utveckla individens förmåga att strukturera sina egna upplevelser är en ofta förbisedd möjlighet. I medias brus blir det viktigt att kunna skilja det äkta från de banala, insikten från fördomen eller det originella från det utslätade och det är i lärandet dessa redskap kan utvecklas. Att inte enbart bli medveten om de komplexa sidorna hos den egna musikupplevelsen utan också att lära sig förstå den på djupet. Att i dialog med andra både tvingas formulera sina känslor och intellektuella överväganden och ta ställning till kvalitet och innehåll ger människan redskap för att fördjupa sin upplevelse. I medvetandegörandet av mänskliga handlingar och upplevelser kan individen utveckla sig själv i en oändlig bildningsprocess. Här finns kanske musikundervisningens allra viktigaste bidrag till mänsklig utveckling. Vill du veta mer? Kontakta professor Bengt Olsson, Musikhögskolan i Göteborg, Göteborgs universitet e-post: bengt.olsson@musik.gu.se

FUROR EN LA CARRETERA Y LA COMUNIDAD MUSICAL (Spanish)

Nicholas Cook, FBA Profesor de Investigación en música Universidad de Southampton, UK ¡Que levante la mano quien nunca sintió un toque de furor en la carretera y ni siquiera sabe lo que ello significa! Sin ser, espero, más malhumorado que mi vecino, al menos, creo estar capacitado para poder decir de donde proviene dicho malhumor. Por un lado, cuando alguien le está pisando los talones, infringiendo su espacio personal, forzándolo a ir cada vez más rápido, aun cuando usted ya está excediendo el límite de velocidad, usted está participando de una interacción social. Para usted es posible interpretar la forma en que el otro ubica su coche en relación al suyo, con la misma sutileza con la que interpreta, durante una conversación, un gesto instantáneo o una ceja levantada. Claro está que esto no es una conversación, y tanto usted, al igual que el otro conductor, están encerrados en una caja metálica, desconectados de todo lo que se encuentra fuera de ella, y aislados uno del otro. Lo que de ello resulta, es la eliminación de esa permanente corriente de comunicación que se genera a través o por detrás de la manifiesta satisfacción de una interacción cara a cara – los gestos, el rascarse, el desplazamiento del peso corporal, la modificación del tono vocal, y otros medios casi imperceptibles a través de los cuales las personas incluyen matices a lo que dicen, se informan mutuamente de sus sentimientos, y se contestan uno al otro de tal manera que la conversación se convierta en una experiencia compartida como de hecho lo es. Esta es la relación recíproca que el sociólogo Alfred Schutz llama “sintonía mutua” y que él percibió como “la condición indispensable de toda posible comunicación”. El furor en la carretera muestra lo que sucede cuando la sintonía mutua se ve interrumpida. Y dado que ello representa el modo en que la gente se desconecta entre si - aún cuando haya personas en los alrededores – aislándose en medio de la congestión de tránsito, es un poderoso símbolo de la alienación tan característica de la actual sociedad racionalizada y post industrial. Schutz acuñó el término “sintonía mutua” en un ensayo publicado en 1951 llamado “Haciendo música en conjunto”. Para él, hacer música en conjunto implica compartir el “tiempo interno”, esto quiere decir, el tiempo tal como se lo experimenta, más que el tiempo medido por el movimiento del reloj – el tipo de tiempo que transcurre muy lento cuando usted está esperando ansiosamente novedades del hospital, y demasiado rápido cuando usted está disfrutando. Habitualmente, podríamos estar refiriéndonos al tiempo “subjetivo”. Pero lo que sugiere Schutz es que cuando las personas hacen música juntas, todas están viviendo el mismo tiempo, por lo tanto, él define la relación de sintonía mutua como el “compartir el flujo de experiencias del otro en el tiempo interno”: esto no es subjetividad sino intersubjetividad, y, efectivamente, fue Schutz quien popularizó este concepto como un camino intermedio entre objetividad y subjetividad. En esta experiencia intersubjetiva, Schutz también visualizó a los oyentes musicales con una participación similar, compartiendo la misma experiencia con el tiempo que los ejecutantes. Schutz dijo, refiriéndose tanto a ámbitos íntimos como a una gran sala de conciertos, que “el ejecutante y el oyente están mutuamente ‘sintonizados’, viven juntos a través del mismo flujo, envejecen juntos mientras dura el proceso musical”. No fue la intención de Schutz decir que es únicamente en la música donde uno puede encontrar este tipo de subjetividad compartida. Por el contrario, él dijo que, “podemos encontrar las mismas características al marchar juntos, al bailar juntos, al hacer juntos el amor”. Pero Schutz ha tenido buenas razones para elegir a la música como su modelo para tal actividad comunitaria, debido al modo en que ésta presenta, de manera directamente perceptible, los procesos de la interacción cara a cara. Puedo explicarles qué es lo que quiero decir, preguntando cómo hace un cuarteto de cuerdas para tocar juntos. Una posible manera de funcionamiento, es si todos tocan respetando los mismos valores estandarizados. Con ello quiero decir que todos deberían tocar al mismo tempo, hacer sus negras el doble de sus corcheas, y así sucesivamente. Esto sería más bien parecido a una línea de montaje de coches, donde los obreros, en conjunto, atornillan los componentes adecuados, porque éstos han sido manufacturados para medidas estándares. Claro está que ningún cuarteto de cuerdas toca de esta manera. Ningún cuarteto de cuerdas adhiere al mismo tempo durante todo el tiempo, ni hace todas las negras el doble de largo que las corcheas; como diría Schutz, hacen música juntos en un tiempo interno, subjetivo, no en el tiempo exterior del reloj, donde una cosa puede ser exactamente el doble de largo que la otra. Sin embargo, decir lo que un cuarteto de cuerdas realmente hace es difícil, y ello se debe a que los valores exactos del timing, de la afinación, y otros, se negocian entre los ejecutantes en tiempo real. No hay valores estandarizados, simplemente estas notas se tocan así en este contexto. Por supuesto que los cuartetos de cuerda ensayan, lo cual significa que, en términos generales, acuerdan cómo van a darle forma a su interpretación – los clímax, y su elaboración, el equilibrio entre los pasajes contrapuntísticos, etc. Pero esto no significa que la ejecución de cada instrumentista se convierte en algo tan fijo y por demás aprendido, como para que cada uno pueda, indistintamente, tocar usando auriculares a través de los cuales sólo escuchan una banda que marca los tiempos. Ello sería una situación muy similar a la de los conductores encerrados en sus cajas de metal con la furia creciendo en su interior, porque no pueden comunicarse apropiadamente. En cambio, hacer música en conjunto significa escuchar constantemente a todos los demás, acomodar constantemente su ejecución a la de ellos, ser sensible a los estados de ánimo de otras personas, saber cuándo seguir a los demás y cuándo liderar. En resumen, hacer música en conjunto es una representación de la sociedad humana, y el sonido de la música es el sonido de la sociedad en acción. Dicho de esta forma, la música se convierte en una especie de ruta de escape del mundo real de la congestión de tránsito y del furor en la carretera, una especie de prueba para el alma, una utopía, donde por una vez podemos interactuar total y satisfactoriamente con otros de otra manera que, por lo general, nos es negada en nuestra vida cotidiana – y como ya lo expresara, usted no necesita tocar para participar en la intersubjetividad de la música, usted puede ser miembro de la comunidad musical simplemente escuchando. Por cierto que esto podría ser suficiente justificación para la música. Sin embargo, esto no es todo lo que la música tiene para ofrecer. Es mi deseo sostener que la música no es tan solo una manera de escaparse del mundo, sino una forma de aprender a estar en el mundo. La participación en la música es, para la vida social, el equivalente a un simulador de vuelo: escuchar a los otros, desarrollar su sensibilidad hacia ellos, experimentar diferentes relaciones con ellos mientras las líneas musicales interactúan entre sí – todo ello constituye una especie de curso intensivo sobre relaciones interpersonales. Melodía, acompañamiento, homofonía, contrapunto, heterofonía y fuga, todas engloban diferentes maneras de relacionarse con otras personas, pero son esos valores del timing y afinación y del balance los que únicamente pueden negociarse en el tiempo real de la ejecución que yace en el corazón de la función socializadora de la música. La música presenta relaciones interpersonales en sus formas más abstractas y desguarnecidas, y aprender las formas de la música, por lo tanto, es aprender el repertorio de relaciones sociales y el conocimiento de cómo aplicarlas si vamos a funcionar como seres socialmente exitosos. Ésta es la razón por la cual una educación musical no es tan sólo una educación para la música sino una educación para la vida. En consecuencia, ¿será la pena obligatoria para quien siente furor en la carretera, participar durante doce meses en un cuarteto de cuerdas? Bueno, posiblemente no, aunque sería difícil pensar en un servicio comunitario más intenso que éste. No quiero sobre estimular mi caso, presentando a la música como la panacea de todas las maldades sociales. La música, después de todo, es sólo música. Pero como música, posiblemente contiene la promesa más clara y más inteligible que tenemos de un mundo mejor – y quizá, tan sólo quizá, sea éste el camino más corto para ello.

¿Por qué la música es importante? (Spanish)

Paul R. Lehman Profesor Emérito, Universidad de Michigan, Ann Arbor Ex Presidente de MENC: Asociación Nacional para la Educación Musical Miembro Honorario Vitalicio de la Sociedad Internacional de Educación Musical (ISME) ¿Por qué la música es importante? ¿Por qué todos los niños deben estudiar música en la escuela? Prácticamente todos los que han aportando una significativa contribución al pensamiento educativo desde Platón, han coincidido en que la música debe ser parte integral de la educación básica de cada niño. Pero entonces, ¿por qué todavía tratamos de contestar estas preguntas? Porque algunas personas ven a la música no como una materia para ser estudiada con seriedad, sino meramente como una forma de entretenimiento. Otros creen que la música puede ser aprendida bastante bien fuera del ámbito escolar. Otros, inclusive, si bien pueden reconocer el valor que hay en la música, simplemente no la consideran de máxima prioridad. Los educadores generalmente concuerdan en que hay cinco campos básicos de estudio: matemáticas, lenguaje y literatura, ciencias físicas, estudios sociales y las artes. Nadie que no tenga un conocimiento razonable de estos cinco campos, puede afirmar que posee educación. Cada persona debería tener la habilidad para ejecutar, para crear y escuchar música con discernimiento. Para alcanzar esa meta, cada estudiante debe tener acceso en la escuela a un programa destinado al estudio de la música amplio, equilibrado y secuenciado. Recientes investigaciones han sugerido que la enseñanza de la música puede ejercer en los pequeños un efecto positivo sobre el funcionamiento del cerebro, y que puede ofrecer otros beneficios educacionales y evolutivos de un alcance mucho mayor aún. Estos resultados merecen nuestra atención, pero la razón básica más importante para encarar el estudio de la música es que la música, intrínsecamente, es digna de atención. Vale por sí misma. Es importante. No obstante, no todo lo que es valioso e importante puede ser incluido en el currículo escolar. ¿Por qué, entonces, incluir la música? Por muchas razones. He aquí solo algunas: 1. Uno de los propósitos educativos más importantes y generalmente aceptado ha sido siempre el de poder transmitir la herencia cultural de un grupo a las subsiguientes generaciones. Y es justamente la música una de las más poderosas, de las más precisas, y de las más gloriosas manifestaciones de cada patrimonio cultural. El rol fundamental y penetrante que la música juega en el negocio del entretenimiento, a veces enceguece a las personas y no les permite ver ese otro rol tanto más fundamental y penetrante que juega la música en toda la cultura humana. Como consecuencia de la posición central que la música ocupa entre las conductas esenciales del ser humano, cualquier alumno al que se le permite dejar la escuela sin haber estudiado música, habrá sido engañado tal como si se le hubiera permitido dejar la escuela sin haber estudiado matemáticas o ciencia. 2. Otro propósito de la educación, es ayudar a los estudiantes a alcanzar su potencial. El potencial musical es una de las habilidades básicas presente en cada persona. La mejor manera de desarrollarlo es permitiendo que el estudio comience a una edad temprana y continúe durante la adolescencia. Cada individuo cuyo potencial musical no ha sido desarrollado, lo cual sucede con demasiada frecuencia, se ve privado de una de las experiencias más satisfactorias que la vida tiene para ofrecer. Las escuelas deben ofrecer a los estudiantes oportunidades para que pongan a prueba los límites de sus potencialidades en la mayor cantidad posible de ámbitos del esfuerzo humano. Cuantas más oportunidades tengan a su disposición, mayores probabilidades habrá de que la vida de los estudiantes sea lo más completa y rica posible. 3. Todos los días estamos rodeados de música. Si revolcarnos indiscriminadamente en la superficialidad y banalidad de la cultura popular nos da satisfacción, no habría, entonces, necesidad de estudiar música. Pero justo por debajo de la capa superficial de la música trivial, a la cual estamos involuntariamente expuestos día a día, existe un reino maravilloso e increíblemente variado de música profunda y cautivante; pero una vez desmanteladas las barreras del desconocimiento y de los prejuicios, la exquisita belleza y el placer son de fácil acceso para todos. El estudio formal de la música puede abrir la cerradura de esta puerta. Puede acrecentar la satisfacción que los estudiantes obtienen de la música, permitiéndoles comprender y disfrutar de la música más sofisticada y compleja. Cualquiera puede “disfrutar” la música a un nivel rudimentario, pero el estudio secuencial puede afinar la percepción de los estudiantes, elevar su nivel de apreciación, y expandir sus horizontes musicales. 4. Una de las cosas que implícitamente se enseña en las escuelas, es que para cada pregunta hay una respuesta correcta. Pero fuera de la escuela, raramente existan respuestas bien definidas para los problemas más importantes con los que la sociedad debe enfrentarse. Estos problemas no se prestan al formulismo de soluciones graduales como aquellas que nos enseñan a aplicar en la escuela. La música se diferencia de las otras disciplinas básicas en cuanto a que no refleja una preocupación por respuestas correctas. Puede tolerar y acomodar las ambigüedades con las que la vida está llena. Nos enseña a manejarnos con la subjetividad. En este sentido, la música, más que otras disciplinas, es la que más se parece a la vida misma. La música aporta un balance al currículo que puede ayudar a compensar lo que, de otra manera, en el mundo real, podría ser una visión distorsionada de resolución de problemas. 5. Cada estudiante debe tener una oportunidad para destacarse en algo. La música en la escuela puede prevenir deserciones al ofrecer oportunidades para que, algunos estudiantes con dificultades en otras disciplinas del currículo puedan ser exitosos. Para algunos estudiantes, la música puede hacer que la escuela les resulte más tolerable. La mayoría de los maestros de música han conocido alumnos que permanecieron en la escuela únicamente por la alegría y satisfacción que recibieron participando en la actividad musical. Sólo en la clase de música se apreciaron sus talentos, se respetaron sus contribuciones, y se valoraron sus logros. 6. Pero lo más importante de todo es que la música exalta el espíritu humano e intensifica la calidad de vida. Muchas veces, en discusiones relacionadas con el valor del estudio de la música, se ha enfatizado muy poco, o se ha descuidado totalmente la vasta y singular habilidad que posee la música para mejorar la calidad de vida. La música transforma la experiencia humana. Trae alegría y placer a hombres, mujeres y niños en cada sociedad y en cada cultura. Nos trae consuelo en nuestras actividades cotidianas, y es un atributo indispensable, tanto para nuestra felicidad como para nuestras ocasiones más solemnes. Representa uno de los instintos más básicos de los seres humanos. Es por ello que la música ha jugado un rol tan importante en toda civilización conocida; y es por ello mismo que lo seguirá haciendo allá lejos en el futuro en tanto y cuanto cualquiera pueda percibirlo. La única pregunta es, si queremos limitar el acceso al conocimiento y a las destrezas musicales a una reducida elite, o si queremos que estas estén disponibles para que todos puedan apreciarlas y disfrutarlas. Espero que la respuesta sea más que obvia. Estoy cansado de las excusas que ofrecen los administradores de las escuelas cuando tratan de explicar por qué sus escuelas no pueden ofrecer buenos programas de música. Pero la excusa que más me cansa es la del reclamo de que no hay suficiente tiempo para la música durante el día escolar. Esto es un disparate. La falta de tiempo es un problema totalmente infundado. Es un tema infundado. La falta de tiempo está enmascarando, en realidad, la falta de voluntad. Existen excelentes escuelas a nuestro alrededor que no tienen problema alguno en encontrar tiempo para la música y pueden servir de modelo. Si en la escuela A el tiempo no es un problema, ¿por qué habría de serlo en la escuela B? De todos los recursos necesarios para manejar una escuela, el tiempo es el único recurso distribuido con absoluta equidad en cada escuela de cada lugar. Otro reclamo frecuente es que el horario no permite incluir la enseñanza de la música, lo cual también es absurdo. En definitiva, ¿quién dirige nuestras escuelas? ¿El horario o los educadores? ¿Cuál es nuestra mayor prioridad, el horario o los estudiantes? ¿Debemos comenzar con un horario arbitrario, y luego tratar de acomodar las experiencias educativas siempre y cuando podamos? ¿O deberíamos comenzar por identificar qué es lo que queremos que los niños aprendan y sean capaces de hacer, para recién entonces pensar en cómo lograrlo? Repito, por todos lados hay buenas escuelas que no tienen problema en incluir música en sus horarios. Sólo nos basta con mirar a nuestro alrededor. Cuando se pidió a adultos y a estudiantes que citaran sus experiencias escolares más memorables, un número extraordinario de ellos citaron sus experiencias musicales. Describieron, de manera inconfundible, el escalofrío electrizante que corre por la columna vertebral durante una ejecución exquisitamente emocional; la extraordinaria camaradería que se genera con otros estudiantes en una ensamble; la amistad y el consejo de un maestro de música en particular; la acariciada oportunidad de ejecutar un solo, o el magnífico sentimiento de logro que uno experimenta luego de superar intimidantes desafíos, para poder alcanzar un meta musical fervientemente buscada. La educación consiste en todo aquello que nos queda, tras olvidarnos de las cosas que aprendimos en la escuela. A menudo, son las experiencias musicales atesoradas las que configuran los eventos más inolvidables de nuestros años escolares, y al mismo tiempo, sientan las bases para un permanente fluir de experiencias placenteras a lo largo de la vida. La música marca una diferencia en la vida de las personas. Quizá, hoy en día en las escuelas, la mayor amenaza para los programas de música proviene de los directivos y de quienes toman las decisiones, ya que, es posible que estas personas, cuando fueron a la escuela, no hayan experimentado programas de música desafiantes y gratificadores. No se dan cuenta de lo que un buen programa de música puede hacer por el niño, por la escuela y por la comunidad. Sin embargo, sería terriblemente perjudicial, tanto para la sociedad como para los individuos involucrados, privar a otra generación de lideres de la educación y de la política de la enorme satisfacción y alegría proveniente de participar en un programa de música de primera calidad. Los maestros de música nunca intentaron involucrarse para promover una causa, y sin embargo tienen que hacerlo. Nuestros aliados más poderosos son los padres de nuestros alumnos quienes están bien posicionados para ejercer una presión efectiva sobre los dirigentes que ellos mismos votaron. Por otra parte, debemos movilizar, a todo nivel, a nuestros aliados naturales, para que apoyen un sólido programa de música en la escuela. Estos aliados naturales incluye a educadores, artistas aficionados y profesionales, profesores universitarios, políticos simpatizantes y graduados de nuestros programas, como así también a cada grupo y a cada individuo que se considere a sí mismo un defensor de las artes. En estos últimos años, y en muchos lugares, se ha deformado peligrosamente el énfasis tradicionalmente puesto en los valores humanísticos de la educación, ya que dicho énfasis se ha ido desplazando hacia objetivos a más corto plazo y estrechamente mecánicos. Muy frecuentemente, las escuelas han descuidado importantes metas a largo plazo, buscando alcanzar las metas en boga y a corto plazo. El propósito central de la educación no es, por ejemplo, ayudar al estudiante a conseguir un trabajo. Una persona con una amplia educación va a encontrar un trabajo, pero un enfoque limitado sobre la capacitación laboral ignora las reales necesidades que los empleadores más desean: la habilidad para pensar con claridad y la habilidad para comunicarse eficientemente. Los empleadores quieren trabajadores familiarizados con los cinco campos básicos de estudio, ya que ellos mismos prefieren aportar el entrenamiento específico de su trabajo. Y las destrezas personales que más evalúan los empleadores – creatividad, flexibilidad, disciplina, y la habilidad para trabajar en colaboración con otros – son todas destrezas que se enfatizan en la música. Tampoco es propósito de la educación preparar a los estudiantes para la elaboración y el marketing de los productos del consumidor. La gente joven no debe ser tratada meramente como peones en el gigantesco tablero de ajedrez de la competencia económica internacional. Y por cierto que tampoco es el propósito de la educación preparar estudiantes para aprobar exámenes estandarizados. El mayor y verdadero propósito de la educación es la búsqueda de la verdad y de la belleza, del desarrollo de las capacidades humanas, y del mejoramiento de la calidad de vida. Nada mejor que la música para contribuir con este propósito. Es una falta de previsión y un engaño enfatizar que a los estudiantes se los prepara para hacerlos merecedores de una vida mejor a expensas de prepararlos para que vivan una vida mejor. La posteridad no juzga a una nación por la fuerza de su ejército, ni por el superávit o déficit de sus negocios, ni por los resultados que sus estudiantes obtienen en los tests estandarizados, sino principalmente por su contribución a las artes y a las humanidades. Esto ha sido así a lo largo de la historia, y se ha vuelto tanto más real, a medida que expandimos nuestro potencial para hacer que nuestro hermoso planeta se torne cada vez más inhabitable a causa de la polución y la guerra. Cuando el tiempo barre con todo, lo único que queda de una civilización, son las obras artísticas y humanísticas. Música es vitamina M. La música es la pepita de chocolate en la galletita de la vida. Hay magia alrededor de la música. Nos permite expresar nuestros más nobles pensamientos y sentimientos. Compromete a nuestra imaginación. Nos proporciona oportunidades inigualables para afirmar nuestra unicidad. Estas son funciones particularmente importantes en un mundo cada vez más dominado por la tecnología electrónica. La música no es simplemente un ornamento de la vida; es la manifestación básica del ser humano. Si insistimos para que cada estudiante tenga acceso en la escuela a un programa de música comprensivo, balanceado y secuenciado, es porque, simplemente, aspiramos a proporcionar a los alumnos de todas las escuelas las oportunidades que al presente reciben los alumnos en las mejores escuelas. No es nada menos que esto es lo que necesita una sociedad democrática para consolidarse. Traducción: Dina Grätzer

O roli i funkcji muzyki i wychowania muzycznego w zyciu czlowieka (Polish)

Professor Lech Kolago, Polish ISME, University of Warzawa Poland W roznych kregach kulturowych, grupach i narodach poszukuje sie usilnie nowych form komunikacji miedzyludzkiej. Z technologicznego punktu widzenia zyjemy w czasie, w którym z roku na rok, a nawet z miesiaca na miesiac swiat ulega swoistemu procesowi “kurczenia“ i homogenizacji. Przyczyniaja sie do tego nowe, szybkie srodki transportu, rozwoj naukowo-techniczny i niespotykany dotychczas postep w zyciu spolecznym i kulturalnym. Zarówno szybki rozwoj urzadzen elektronicznych, majacych niebagatelny wplyw na ksztaltowanie wzorcow wychowania i postepowania, jak tez rosnace znaczenie mass mediow powoduja powstawanie nieznanych dotychczas postaw. Urbanizacja i industrializacja ksztaltuja nowe formy myslenia, spedzania czasu wolnego, aktywnosci, kultury masowej. Patrzac na te zjawiska z perspektywy wychowania muzycznego, oznacza to powstawanie calkiem nowych metod nauczania, gatunkow artystycznych i struktur, tresci kulturowych i syntetycznych form przedstawiania. W tym celu stosuje sie nowe srodki wyrazu, nowy material i nowe techniki. Swiat laczy sie i stajemy przed zadaniem budowy nowego humanizmu, ktory nie powinien li tylko wyrazac sie w odpowiedzialnosci czlowieka w stosunku do wspolczesnych i swoich wspoltowarzyszy, lecz i w latwiejszym dostepie do wytworow roznych kregow kulturowych, powstalym w wyniku rozwoju stosunkow miedzynarodowych. I tu rodzi sie szczegolne zapotrzebowanie na ksztalcenie muzyczne. Problem polega na tym, jak dalece staniemy sie otwarci na to, co “obce“, co akceptujemy, zapozyczamy, asymilujemy, co wtapiamy w nasza kulture, a co odrzucamy, jak dalece uda nam sie zachowac i utrzymac wlasna tozsamosc kulturowa. Wspolczesny czlowiek czuje sie coraz bardziej zagubiony w zmieniajacych sie, skomplikowanych i cz_sto zmechanizowanych warunkach zycia. Do tego stanu przyczyniaja sie swiadomosc kryzysu ekologicznego i wyzwania technologiczne. Te doglebne zmiany wymagaja powstania nowych programow i koncepcji ksztalcenia mlodego pokolenia. Z ogromna pomoca przychodzi tu wychowanie muzyczne, jako przedmiot uniwersytecki i autonomiczna dziedzina nauki. Budowa nowego humanizmu winna wyrazac sie w odpowiedzialnosci czlowieka w stosunku do wspolczesnych. Wychowanie muzyczne ma w tym zakresie wazne zadania do spelnienia: budowe zdolnosci komunikacji interkulturowej, zapoznanie sie z obcymi kulturami, rozwoj tolerancji, poczucia wiezi m.in. poprzez akceptowanie bazujacej na wspolnej historii i kulturze tozsamosci, utrzymywanie i wzmacnianie roznorodnosci kulturowej narodow np. w regionach geograficznych. Takie oczekiwania i zyczenia w stosunku do wychowania muzycznego wymagaja nie tylko kultywowania tradycji, lecz i jej interpretacji. W owym procesie komunikacji interkulturowej wazne jest przygotowanie czlowieka na spotkanie z rodzima i “obca“ kultura. Rozne kultury winny stac sie plaszczyzna, na ktorej odbywa sie ow dialog interkulturowy. Wychowanie muzyczne jest koncepcja pedagogiczna, ktora inicjuje i wspiera owe kulturowe i pedagogiczne postulaty i idee. Jest ono zatem dziedzina nauki, ktora okazuje sie byc w owym dialogu kultur niezwykle praktyczna, poniewaz nie nie jest ograniczona li tylko do pewnych specyficznych elementow kultury, lecz jest zorientowana interkulturowo. Wydaje mi sie, i poprzez tak rozumiana role i funkcje wychowania muzycznego mozna przyczynic sie do lepszego poznania i porozumienia miedzy narodami.

Wozu Musik? (German)

Hans Zender Deutscher Komponist und Dirigent Wozu Musik? – Wozu anders als um jedes “Wozu“ aufzuheben? Unsere linke Gehirnhälfte, unsere rechte Gehirnhälfte – sie wenden alle Kraft daran, das “Außen“ vom “Innen“ zu trennen; sie haben die “Absichten“ erfunden und die “Gründe“, sie versklaven uns, indem sie die äußere Welt als ein kompliziertes Gefüge von Einzeldingen erscheinen lassen, und unsere Innenwelt als ein Chaos von Stimmungen und Meinungen eines aufgeblähten Popanz namens “ICH“ .... Wir messen und wägen, wir bilden Urteile und Vorurteile, wir werten das, was uns begegnet, nach dem Nutzen oder Schaden, den es für uns bringt. In unserem Kopf entstehen zwei neue “Welten“ – und entfernen uns immer weiter von der Einheit mit allem, in der wir einmal lebten (wann? wo? als Baby? als Embryo? als Urzelle?): auf der einen Seite die Zahlen und die Zahlenbeziehungen, auf der andern die Worte, die Begriffe. Statische Kopfwelten, Kristallisierungen unserer Intelligenz; doch welche Form unserer geistigen Tätigkeit versetzt uns in das Zentrum des Daseins, und artikuliert die tiefste Erfahrung, die wir als der Zeit unterworfene, sterbliche Wesen machen können: die der Bewegung, des Fließens? Musik bewegt sich in dieser mittleren Region unseres Geistes; sie bringt diese Region mit hervor: jenen Bereich, der gleich weit vom Denken in Zahlen und vom Denken in Worten entfernt ist. Deswegen saß die Musik im Mittelalter auf einem Thron, der genau im Mittelfeld der “freien Künste“ stand: zwischen Dialektik, Rhetorik und Grammatik auf der rechten, und Astronomie, Geometrie und Arithmetik auf der linken Seite. Die Neuzeit hat sie von ihrem Thron gestoßen und auf beiden Seiten des leeren Thrones Berge von spezialisiertem Wissen angehäuft, die so hoch geworden sind, dass das Ganze nicht mehr überschaubar ist, und der mittelpunktslose Geist sich selbst und alles übrige in Zweifel ziehen muss. Wer kann ihm helfen, dem neurosegeplagten, ideologieanfälligen, Körper und Geist nicht mehr zusammenbringenden “modernen Menschen: - Ist es nicht seltsam, dass die europäische Neuzeit gleichzeitig mit ihrer den Menschen immer mehr fragmentierenden Wissenschaft eine Musik hervorgebracht hat, die eine bisher nie erreichte Dichte des Ausdrucks wie der Form zeigt? Handelt es sich hier nicht um die Entwicklung einer kompensierenden Kraft gegenüber der Einseitigkeit, in die uns die wissenschaftlich-technische Zivilisation gebracht hat? In der Konkretheit ihres den Menschen rhythmisch treffenden Klanges durchbricht die Musik die Barrieren der Abstraktion; sie packt gleichzeitig Körper und Geist, verbindet so den Kopf mit dem Rumpf, aber auch die rechte Seite mit der linken. Denn wie selbstverständlich nimmt sie das Zahlendenken wie das Sprachdenken in ihren Dienst: die Zahlen, indem sie Tonhöhen und Dauern in den komplexesten Konstruktionen ordnet; die Sprache, indem sie sich dem Ohr nicht in leblosen Mustern, sondern in der organischen Gestalt expressiver “Rede" präsentiert – ob sie jetzt die Phoneme der Worte in ihre Form einbezieht oder nicht. Indem sie so die Zahlenwelt und die Sprachwelt verbindet, befreit sie uns gleichzeitig von den Ansprüchen auf absolute Beherrschung, die sowohl die linke wie die rechte Seite an uns stellen. Denn das Denken der Musik bezieht sich weder auf eine (angebliche) Außenwelt noch auf eine (angebliche) Innenwelt, sondern nur auf sich selbst; es bedeutet nichts außer sich selbst. Es ist “Denken pur“, es ist reine geistige Intensität, die keinen Unterschied zwischen innen und außen, Objekt und Subjekt kennt, und deswegen auch kein “Wozu“. Sie kennt nur eines: die Bewegung. Ihre Intensität bestimmt sich in jedem Moment neu, und frei; diese sich ständig erneuernde Bewegung ist ihre Dynamik. In der Teilnahme an dieser nicht gegenstandsgebundenen Intensität lässt sie uns unsere Freiheit als schöpferische Kraft erfahren; lässt sie uns unsere Existenz als freien Flug erfahren. Alles das gilt nur für die Musik in ihrer vollkommenen Gestalt, nicht für Kitsch, nicht für Serienprodukte, nicht für den ganzen Tineff, von dem wir umgeben sind. Wie entsteht eine solche “vollkommene" Gestalt? Sie entsteht, wenn die Individualität eines schöpferischen Menschen ganz mit dem Kern einer Epoche verschmilzt; sie entsteht, wenn Form und Ausdruck eine Einheit bilden. Wenn eine solche Musik erklingt, entsteht sowohl für die Spieler wie für die Zuhörer eine merkwürdige Art der Geborgenheit. Solang sie andauert: Friede, ohne Entzweiung! Wie in einem Vogelschwarm vielleicht (denn verglichen mit dem mühsamen “Schritt-für-Schritt“ des Zählens, des Sprechens – man hat es “hinkendes Denken“ genannt – erscheint die Musik als ein Fliegen). Beim Spielen wie beim Hören von Musik muss die Konzentration so groß sein, dass keine Energie mehr frei ist, um über den Rand des Klanggeschehens hinauszudringen. Wer hier nicht vergißt, wie er heißt – wo er ist – was er tut, kann nie erfahren, was Musik ist. Sie ist keine Droge (eine schöne Droge: der Konsum schwingender Luftpartikel – “swinging air“! Yeah! Sie macht uns high, aber in einer Sekunde können wir wieder herunter), sie ist auch keine “Heilslehre“ – überhaupt keine “Lehre“, sondern eine Praxis. Genau in der Mitte des Geistes: da, wo der Geist keinen Schatten wirft – da entsteht die Musik. Da, wo man gleichzeitig produktiv und empfangend ist. Und da gibt es kein "“Wozu“. “Wozu Musik“? – “Wozu leben?“ Die kleinen grauen Männer, sie wollen uns wegkürzen; uns abschaffen, am besten gleich zusammen mit der Natur, die heute auch nicht mehr so wichtig ist, verglichen mit dem Euro oder dem Bruttosozialprodukt. (Ja, ich weiß, es gibt auch Musiker, die vor lauter Getue und Ruhm und Gage längst vergessen haben, was Musik ist. Aber die andern?) – Leute, kommt in unsere Konzerte, eure Hirnmuskeln werden es euch danken; euer ganzer body wird es euch danken. Erklärt den grauen Männchen, dass der Geist Glück braucht, um gesund zu sein; nicht nur “so ein bisschen happy“ wollen wir sein, um uns als ganze Menschen zu fühlen, sondern komplett glücklich. In der chinesischen Schrift sind die Zeichen für “Musik“ und “Freude“ identisch. Die Glücksforscher (so was gibt es heute tatsächlich auch!) haben herausgefunden, dass Glück fast ganz auf Selbstprogrammierung beruht (und diese wiederum auf disziplinierter harter Arbeit). Programmiert euren Geist mit Bach und Mozart, mit Webern und Messiaen, und vergesst nicht, ihn ab und zu auch frei fliegen zu lassen!

Kultur und schule - Schule und kultur (German)

"Die Schulen sind Werkstätten der Humanität, indem sie ohne Zweifel bewirken, dass die Menschen wirklich Menschen werden." Comenius Professor Josef Scheidegger President of EAS (European Association for Music in Schools) Dean of Faculty II at Musikhochschule Luzern (CH) Ich möchte einige Gedanken zum Begriff "Kultur" voranstellen. Kultur ist alles, was dem Individuum erlaubt, sich gegenüber der Welt, der Gesellschaft und auch gegenüber dem heimatlichen Erbgut zurechtzufinden, alles was dazu führt, dass der Mensch seine Lage besser begreift, um sie unter Umständen verändern zu können. Der Begriff im Wandel der Zeit: Das Wort “cultura“ bedeutet ursprünglich “Ackerbau“. Cicero sprach dann von der “cultura animi“, der Pflege der Seele, des Geistes. Dieser ursprüngliche, aufeinander zugeordnete Sinn hat sich nach und nach verselbständigt in der “Kultur“ einerseits, als das scheinbar ganz und gar Unnatürliche, und der Zivilisation andererseits. Kultur steht so offenbar in einem Spannungsverhältnis zwischen Lebensnotwendigem und dem Feierabendvergnügen, dem Gradmesser des ökologisch Richtigen, Nützlichen und dem Selbstzweck. Der Stand der kulturellen Entwicklung jedoch kann als Massstab für den Stand der Gesellschaft genommen werden, der Entwicklungsprozess selber als Schule der Demokratie. Die Förderung und Entwicklung der so verstandenen Kultur lag lange Zeit wesentlich in den Händen interessierter reicher und mächtiger Mäzene; die Kultur diente so auch ihrem Schmuckbedürfnis, wurde zu einem Massstab ihrer Macht. Kultur – eine echte, lebendige Aesthetik der Künste - lässt uns nicht in Ruhe. Sie beunruhigt. Eine ausschliesslich gefällige, harmlose Kultur, mit der jedermann einverstanden ist, bleibt belanglos, weil sie keine Auseinandersetzung erzeugt, mit der Zeit nicht mehr wahrgenommen wird, im stets zunehmenden Geräuschpegel untergeht. Überall, wo Dialog, wo Auseinandersetzung, wo Kommunikation entsteht, ist Leben. Wer eine Gemeinschaft am Leben erhalten oder beleben möchte, wird danach trachten, ein grösstmögliches Angebot an Kommunikationsgelegenheiten zu schaffen. Selbst wo Missfallen und Ärger, wo Spannung erzeugt wird, kommen Probleme an die Oberfläche oder lassen sich wenigstens erahnen, es bieten sich Lösungsmöglichkeiten an. Sie ist auch ein Mittel gegen ständig sich ausbreitende Hoffnungslosigkeit und Resignation sowie eines für eine sinnvoll gestaltete Freizeit! Geht man davon aus, dass das Kunst- und Kulturschaffen eine der Ausdrucksformen ist, den Menschen dazuzuführen, dass er seine Lage besser begreift, um sie unter Umständen verändern zu können, dann muss das Infragestellen als Schritt zur Veränderung ermöglicht werden. Alles, was mithilft, das Zurechtfinden und das Begreifen durch Wissen, Neugier, Bewusstsein, durch Auseinandersetzung, Fühlen, Spüren voranzutreiben, heisst Kulturförderung. Kulturförderung muss oft da ansetzen, wo Gefühle, Stimmungen, Befürchtungen in noch unbestimmter Form, noch nicht greifbar sind. Es gilt auch, die sogenannte schweigende Mehrheit zum Reden zu bringen – oft müssen vorerst alle Beteiligten das Reden und Zuhören noch lernen. Eine Spitze braucht eine breite Basis ! Selbst wer sich nur an kulturellen Spitzenprodukten orientiert, muss einsehen, dass die Erschaffung eines jeglichen Spitzenprodukts das Bestehen einer breiten Basis voraussetzt. Förderung des zeitgenössischen Kulturschaffens im engeren Sinne kann verglichen werden mit der Förderung der Grundlagenforschung in der Wissenschaft: Sie ist mühsam, voller Irrwege, oft wenig spektakulär und – Voraussetzung für jeden Fortschritt. Künstlerisch-aesthetische Bildung ist integrativer Bestandteil des gesellschaftlichen Bildungsauftrages. Aus dem Umgang mit dem Wirklichen entwickelt sie Perspektiven für das Mögliche und fördert das individuelle Engagement für ein zukunftsträchtiges Wertekonzept. Darin ist der musikalischen Bildung als Rückhalt gegenüber zunehmender Visualisierung und des deutlichen Nachlassens bewusster auditiver Wahrnehmung ein besonderes Gewicht beizumessen. Inzwischen wissen wir aus Forschungsresultaten in verschiedensten Ländern, dass der intensive Umgang mit Musik in einer Gruppe nicht nur das Musikverstehen, sondern auch die individuelle Leistungsbereitschaft, das Sozialverhalten sowie die Toleranz gegenüber Menschen unterschiedlicher kultureller Herkunft fördert. Oder könnte man die Ziele einer musikalischen Bildung auch so umschreiben: - Ein motiviertes und kundiges Publikum heranzubilden, das sowohl gegenüber neuen kulturellen Erfahrungen aufgeschlossen ist als auch die eigene Kultur als Teil einer gesamteuropäischen Tradition erhalten und weiterentwickeln kann. - Über den Umgang mit Musik und jeglicher Kunst ein leistungsbezogenes und kreatives Verhalten positiv beeinflussen sowie soziale Kontaktfähigkeit und Offenheit für andere Kulturen fördern. - Junge Menschen gegenüber der musikalischen Umwelt und der anderer Künste sowie den Möglichkeiten der Medien mündig machen - Über die Künste mitmenschliche Kommunikation anbahnen, gesellschaftliche und kulturelle Grenzen überwinden und damit auch gesellschaftlichen Tendenzen zur Vereinzelung entgegenwirken. Nun aber zum eigentlichen Kulturschaffen, in dem Musik ein Teil, ein sehr wichtiger Teil ist. Ob wir vielleicht gezielter darauf achten müssten, dass wir vermehrt mit andern Künsten, besonders Kulturschaffenden gemeinsame Wege suchen sollten? Wege könnten sein: - Die kulturellen Aktivitäten stärker in die Bildungsinstitutionen einzubeziehen. Anzustreben ist eine vertiefte und effizientere Einführung in das Kulturgeschehen im Laufe der Schulzeit und während der Berufsausbildung; das Ziel dieser Ausweitung des Bildungsangebotes ist sowohl die Anregung zu eigenen (schulischen und ausserschulischen) kulturellen Leistungen als auch die Ermöglichung des lebenslangen Teilhabens an kulturellen Werten. Sie drängt sich als Gegenpol zu rein materiellen Zielsetzungen auf, als Weg vom Wohlstand zum Wohlbefinden. - Kunst und Kultur sollen vermehrt zum integrierenden Teil des Bildungsangebotes werden, die existentielle Bedeutung der Kultur ist bewusst, einsehbar und erlebbar zu machen. - Kreative Fähigkeiten, Neigungen, kulturelles Interesse sollen aufgespürt, freigelegt und mit allen zur Verfügung stehenden Mitteln gefördert werden, insbesondere beispielsweise auch auf Lehrlingsebene (Freifächerkurse). - Es sind feste Kontakte mit Kulturschaffenden zu ermöglichen (Kulturschaffende in die Schule holen und Schule an den Ort des Geschehens/Kulturschaffens führen. - Es sollen Kulturpädagogen eingesetzt werden und museumspädagogische Dienste in Zusammenarbeit mit der Region, dem Lande geschaffen werden. - Die Erwachsenen von morgen sind mit dem Angebot und der Handhabung der zur Verfügung stehenden Infrastrukturen vertraut zu machen. Auf unsere Kinder und Jugendlichen bezogen, meine ich: Kinder und Jugendliche unserer Zeit müssen in ihrer Welt ernstgenommen werden, auch in einer Welt, in der sie sich nicht zuletzt musikalisch oder allgemein künstlerisch eigenwillig ausdrücken. Unsere und die gegenseitige Akzeptanz wird uns erst die Möglichkeit anbieten, die jungen Menschen auch in andere Stilbereiche einzuführen. Maria Spychiger und Markus Cslovjescek formulieren es in einem Heft unter dem Titel “Musik als Unterrichtsprinzip“ so: Das Zusammenspiel von Lernen und Freude, eben auch Freude an der Kunst darf uns immer selbstverständlicher werden. Spiel und Arbeit, Freude und Ernst lassen sich ohne Widerspruch als Einheit begreifen – nur der Ernst im Spiel lässt das Spiel ganz Spiel werden, wer das Spiel nicht ernst nimmt, ist ein Spielverderber. In der Musik, in den Künsten stecken unzählige Möglichkeiten, diese Einheit zu erleben bzw. diese in unserer Kultur zu Gegensätzen gewordenen Aspekte wieder zusammenzufügen. Spiel und Musik bereiten Freude und sprechen die Gefühle an. Von Effizienz ist vorerst kaum zu sprechen, eher von Freizeitgestaltung und Zeitvertreib. Aber beim Singen und Spielen, beim Komponieren, Bewegen und allgemein beim künstlerischen Gestalten ist der Verstand genau so im Spiel. Konkretes Tun, der Spass am Spiel, die Freude an der Bewegung und am Rhythmus, die Faszination der Stille, die Geborgenheit in der Ordnung und die Lust am Chaos, das Glück des Gelingens, die Kunst des Fehlermachens, die Bewährung im Üben und Durchhalten, das Wunder des Wahrnehmens können Voraussetzungen für ein echtes künstlerisches Tun sein. Intelligenz ohne Herz zerstört letztlich die Grundlagen des Lebens; und kluge Menschen mit Herz, aber ohne Hand und Handlungsfähigkeit vermögen dies nicht zu verhindern. Pestalozzi Für das Leben lernen heisst tatsächlich Kopf, Herz und Hand bilden, also die Kräfte des Denkens schulen, den Reichtum des Gemüts entwickeln, die Geschicklichkeit der Hände und damit auch Intelligenz und Willenskraft fördern. Wir brauchen - ein intensives Wahrnehmen und sinnenhaftes Erleben und Aufnehmen der Wirklichkeit in ihrem Reichtum von Formen, Farben und Klängen; - gemüthafte Verbindung mit allem, was uns begegnet und betrifft; - herzliche, mitmenschliche Anteilnahme, Fähigkeiten zur Zusammenarbeit; - ganzheitliches Erfassen von Strukturen, sinnvolles Vernetzen von Zusammenhängen; - einen geschulten Verstand; aber ebenso unentbehrlich sind Intuition, Kreativität, Einfallsreichtum (Phantasie) und Beweglichkeit sowie die Fähigkeit, Probleme originell zu lösen. Vielleicht gelingt es dann auch wieder, staunen zu können. Am Anfang jeder menschlichen Kulturleistung steht das Staunen. Das gilt für jede Art von Kunstfertigkeit so gut wie für Wissenschaft und Forschung und ganz gewiss auch für das Handwerk. Um es nochmals festzuhalten: Bildung braucht gute Weile! Wer Halme ausreisst, um vorzeitig zu ernten, verhindert das Reifen der Frucht. Bildungsprozesse benötigen Zeit, gute Weile: Schule muss auch Ort der Musse, der Langsamkeit sein, mit Zeiten der Stille, mit Pausen, verweilendem Üben und sicherndem Wiederholen. So könnte sich vielleicht der Wunsch von Johann Amos Comenius, einem Pädagogen aus dem Barock, doch noch erfüllen: “Die Schulen sind Werkstätten der Humanität, indem sie ohne Zweifel bewirken, dass die Menschen wirklich Menschen werden.“

Zur Rolle und Funktion der Musik und Musikerziehung im Leben der Menschen (German)

Lech Kolago Polish ISME, Professor, University of Warzawa In verschiedenen Kulturkreisen, Gruppen, Völkern und Nationen sucht man eifrig nach neuen Formen der Kommunikation zwischen den Menschen. Technologisch gesehen leben wir in einer Zeit, in der sich die Welt von Jahr zu Jahr, ja sogar von Monat zu Monat verkleinert und vereinheitlicht. Dazu tragen sowohl die Erfindung neuer schneller Transportmittel als auch die technisch-wissenschaftliche Entwicklung und ein enormer Fortschritt im gesellschaftlichen und kulturellen Leben bei. Die rasche Entwicklung elektronischer Geräte, mit deren Hilfe Erziehungsmuster, Handlungsmuster, Verhaltensmuster vorgeschlagen werden können, sowie die Bedeutung der Massenmedien verursachen die Entstehung von anderen Verhaltensweisen der Menschen. Die Urbanisierung und Industrialisierung verursachen die Entstehung neuer Denkformen, Freizeitgestaltung, Aktivitäten, Massenkultur. Auf dem Gebiet der Musikerziehung bedeutet das die Entstehung von ganz neuen Unterrichtsmethoden, künstlerischen Gattungen und Strukturen, kulturellen Inhalten und synthetischen Formen der Gestaltung. Dafür werden neue Ausdrucksmittel, neues Material und neue Techniken verwendet. Die Welt vereinigt sich, und wir stehen vor der Aufgabe, einen neuen Humanismus zu bauen, der sich nicht nur in der Verantwortung des Menschen gegenüber seinen Zeitgenossen und Mitmenschen ausdrückt, sondern sich ebenso auch in dem durch die Entwicklung der Beziehungen zwischen verschiedenen Völkern verbesserten Zugang zu den Werten und Schätzen unterschiedlicher Kulturkreise äußert. Hier entsteht ein wesentlicher Bildungsanspruch an Musik. Das Problem besteht nun darin, inwieweit man sich für das “Fremde“ öffnet, was akzeptiert, entlehnt und assimiliert, was verschmolzen und durchdrungen, was abgeworfen wird, wieweit man die Identität der eigenen Kultur noch beibehält oder bewahren kann. Der moderne Mensch fühlt sich immer mehr verloren in den veränderten, komplizierten und mechanischen Bedingungen des Lebens. Dazu tragen ein ökologisches Krisenbewußtsein und technologische Herausforderungen wesentlich bei. Diese tiefgreifenden Veränderungen erfordern das Aufstellen neuer Programme und Konzepte der Bildung der jungen Generation. Dabei kann die Musikerziehung als Universitätsfach und fester Wissenschaftszweig durch eine interdisziplinäre Fundierung große Dienste erweisen. Der Bau eines neuen Humanismus soll sich in der Verantwortung des Menschen gegenüber seinen Zeitgenossen und Mitmenschen ausdrücken. Die Musikerziehung hat dabei wichtige Aufgaben zu erfüllen: den Aufbau einer interkulturellen Kommunikationsfähigkeit, das Vertrautwerden mit fremden Kulturen, Entwicklung der Toleranz gegenüber den anderen, Entwicklung des Zusammengehörigkeitsbewußtseins durch Anerkennung der auf gemeinsamer Geschichte und gemeinsamer Kultur gegründeten Identität, Erhaltung und Stärkung kultureller Vielfalt der Nationen, z.B. in geographischen Regionen. Ein solches Anliegen bedarf nicht nur der Pflege der Tradition, sondern auch ihrer Deutung. Im Prozess dieser interkulturellen Begegnungen soll die Vorbereitung der Menschen auf die Auseinandersetzung mit in- und ausländischem Kulturgut angestrebt werden. Verschiedene Kulturen können jene Ebene bieten, auf der sich der interkulturelle Dialog vollzieht. Musikerziehung ist ein pädagogisches Konzept, das kulturpädagogische Ideen initiiert und fördert. Sie ist jener Wissenschaftszweig, der sich im Dialog der Kulturen als sehr praktisch erweist, denn er ist nicht auf das Kulturspezifische begrenzt, sondern interkulturell orientiert. Er fördert den Aufbau einer interkulturellen Kommunikationsfähigkeit. Durch die hier gebotene Auffassung der Funktion der Musikerziehung hoffe ich, zu einer besseren Erkenntnis und darüber hinaus zu einer Verständigung der Völker beizutragen.